Le STAGE SPACE dans lequel se déroulera I AM CARMEN sera un espace associatif qui relie sensuellement les univers du personnage de Carmen de Bizet et de Hasti Molavian. Le sol de la scène sera recouvert de sable, qui sera en mouvement constant grâce aux machines à vent, et de sable qui s'écoulera par le haut. Ainsi, de nouveaux paysages, niveaux, traces et images ne cesseront d'émerger. Au-dessus du désert de sable se trouvera une voiture éventrée (conformément à l'emblème du réalisateur iranien Abbas Kiarostami, qui utilise des véhicules comme décors pour ses personnages. "Nous regardons par la fenêtre latérale et à travers le pare-brise ce qu'ils voient. Nous voyons donc l'Iran tel qu'ils le voient") qui sert de surface de projection, peut être déplacée dans différentes images / constellations via la machinerie scénique, et peut être jouée par le chanteur. Le sol sera recouvert d'une serpillière peinte sous le sable, qui pourra être déplacée vers le haut grâce à un treuil arrière,

changeant ainsi le paysage de sable et permettant au motif peint de devenir visible ; nous pensons ici au conte traditionnel persan "Naghali", dans lequel les histoires sont toujours soutenues par la peinture persane. Ce grotesque paysage de désert, d'âme et d'installation ouvre au protagoniste un champ poétique grâce à des textures et des matériaux issus de l'espace culturel persan. Il est complété par un piano à queue de concert, ainsi que par une plate-forme technique dotée d'équipements électroniques en direct, qui font partie intégrante de l'espace scénique. De plus, des séquences filmées en Iran établiront un lien visuel avec la réalité locale de la vie en tant qu'espace de mémoire. Ce film sera produit par une équipe de tournage dirigée par Kai Wido Meyer et Hasti Molavian dans des lieux originaux en Iran.

Nous comprenons l'opéra "Carmen" de Georges Bizet avec ses mélodies bien connues comme un topos, comme un bloc sonore extrêmement populaire dont on extrait des morceaux, comme dans une carrière. La sélection des pièces individuelles résulte de l'examen de l'idée de base. À leur tour, les fragments individuels seront agrandis en collages avec de l'électronique en direct. Les chiffres individuels vont changer en permanence, "se transformer" en de nouveaux états. La "Chanson Bohème" du deuxième acte, par exemple, se transforme progressivement en électro-chaabi arabe. Dans ces processus, l'arrangement devient lentement composition. Les styles musicaux allant de la musique classique européenne à la pop arabe, les identités musicales et culturelles deviennent des matériaux de composition et peuvent ainsi représenter et refléter de manière poétique et sonore le monde de vie du protagoniste : Des fragments de l'original de "Carmen", des enregistrements sur le terrain et des sons originaux de la société allemande et iranienne, de la parole à la musique actuelle, sont mis ensemble d'une manière complètement nouvelle et indépendante par l'électronique en direct, le son vidéo, le piano et le chant.

Outre la voix du protagoniste, un piano à queue est le seul instrument acoustique sur scène. Les bruits sonores produits par le jeu prolongé du piano à l'intérieur de l'instrument et les préparations des cordes brisent ici aussi le geste traditionnel de l'opéra et forment une connexion avec l'électronique en direct.

Dans sa forme la plus simple, LIVE ELECTRONICS rejoint le chant et le piano à queue comme instrument supplémentaire. Comme ce dernier, il est placé sur la scène avec le "joueur" et intégré dans l'action qui s'y déroule. En plus de sa fonction de générateur de sons indépendant, il puise en direct dans le matériel acoustique de ses partenaires de jeu, et utilise également des échantillons de la discographie de Carmen. Elle cite et construit des espaces avec des figures sonores concrètes, commente et constelle des décors de biographie et d'opéra, des boucles, des remixes et des exponentielles.

Grâce à un SENSOR-HANDSCHUH sans fil et à d'autres contrôleurs, la mezzo-soprano a accès à l'électronique en direct et peut lancer ses propres processus scéniques et, par exemple, se "transformer" vocalement et musicalement en d'autres personnalités. La technologie des capteurs relie les données de contrôle aux paramètres individuels de la génération du son et/ou les interprète dans le sens d'un échantillon gestuel déclencheur. En tant que symbole, le gant fait référence à la tradition de la fauconnerie : celle-ci apparaît dans le conte de fées persan du roi et de son faucon, ainsi que dans la poésie du modernisme iranien de Forugh Farrochsād et dans la Habanera de Bizet.

L'œil est la fenêtre de l'âme. Nous regardons le monde à travers une lentille très fine. Cette image est-elle la réalité ou plutôt une image déformée ? Ce qui se passe à une vitesse fulgurante dans notre tête se retrouve également dans le monde qui nous entoure. Un miroir nous fait bien paraître, l'autre non. Tout objet translucide déforme l'image qui le traverse. Tout comme nos pensées, nos souvenirs sont colorés par nous.

Dans le CONCEPT VIDÉO, nous voulons faire de cette fenêtre, de cette lentille qui se trouve entre la réalité et notre perception, le sujet. Suis-je assis devant la fenêtre ou derrière elle. De quel côté suis-je. Est-ce que je regarde à l'intérieur ou à l'extérieur ?
Dans la mise en scène, la vidéo tente de mettre en évidence un lien immersif entre la "réalité" théâtrale et la réalité cinématographique. Un espace transitif émerge, une image de la patrie iranienne. Les mondes visuels oscillent de manière iconique et citée entre les mondes culturels et les identités. Le médium du film devient un moyen concret de mise en scène, imaginant une fenêtre sur des mondes réels. Et ce, au sens littéral du terme. Une image, aussi floue qu'un Allemand en Iran peut le faire. Le pays où vivent beaucoup de gens est également un étranger. Une caméra accompagnera Hasti Molavian en Iran pour recueillir des images de film sur les lieux d'origine pour le travail vidéo de la production.

La mezzo-soprano iranienne, née à Téhéran en 1988, a étudié le chant avec Rachel Robins à l'université des arts Folkwang d'Essen et a suivi des cours de maître avec Andreas Homoki, Angelika Kirchschlager, Anja Harteros, David Freeman, Helen Donath et Olaf Bär. Pendant ses études, elle a reçu la bourse NRW, la bourse Allemagne ainsi que des bourses de la Fondation Charlotte et Walter Hamel et du Rotary Club. De 2011 à 2015, Hasti Molavian a été membre du Studio d'Opéra de l'Opéra de Dortmund. En même temps, elle a fait des apparitions au Théâtre Hagen en tant que Cenerentola (Rossini), entre autres. Elle est également très impliquée dans la musique contemporaine. Par exemple, elle a chanté "Pierrot Lunaire" d'Arnold Schönberg ainsi que des œuvres de Luigi Nono, Helmut Lachenmann et Steve Reich.

Lachenmann et Steve Reich et travaille régulièrement en tant qu'invité avec le E-MEX-Ensemble. À la Ruhrtriennale, elle a participé à "Leila und Madschnun" de Samir Odeh-Tamimi (2010, mise en scène : Willy Decker) et à "Prometheus" de Carl Orff (2012, mise en scène : Lemi Ponifasio) (tous deux sous la direction musicale de Peter Rundel). Elle a également participé à "Das Mädchen mit den Schwefelhölzern" de Helmut Lachenmann (réalisateur : Robert Wilson, directeur musical : Emilio Pomàrico). Elle est lauréate du Concours international de chant du château de Rheinsberg 2014. De 2015 à 2020, elle a été membre de l'ensemble du Théâtre de Bielefeld et s'est produite en tant que 2nde dame, Lucilla (La scala di seta), Frugola (Il tabarro), Ciesca (Gianni Schicci), Arsamene (Xerxes), Emilia (Otello), Wellgunde (Das Rheingold), Alcina (Orlando Paladino) et dans "Gold", entre autres. Pour son interprétation de Charlotte ("Charlotte Salomon" de Dalbavie) et dans la production de Dortmund de "Einstein on the Beach" de Philip Glass, elle a été nommée "meilleure chanteuse" de la saison 2016/17 en NRW dans le numéro "Welt am Sonntag" du sondage des critiques. En outre, elle a reçu le Förderpreis des Landes NRW 2017/18 dans la catégorie "Théâtre". Avec le début de la saison 20/21, Hasti Molavian deviendra un membre permanent de l'ensemble du Volkstheater Wien sous la nouvelle direction artistique de Kay Voges.

Paul-Georg Dittrich (*1983) a étudié la mise en scène à l'Université de musique et de théâtre de Hambourg de 2007 à 2011. Il a dirigé des productions à l'Opéra d'État de Hambourg, à l'Opéra d'État de Stuttgart, au Deutsche Oper Berlin, à l'Opéra de Halle, au Schauspiel de Francfort, au Théâtre de Brême, au Staatstheater Darmstadt et autres,
Staatsoper Stuttgart, Deutsche Oper Berlin, Oper Halle, Schauspiel Frankfurt, Theater Bremen, Staatstheater Darmstadt, Theater Heidelberg, Theater Bielefeld,
Schauspielhaus Wien, Theater Augsburg, Theater Oberhausen, Theater Aachen, Theater Kiel, Theater Erlangen et au Kampnagel Hamburg.

Parmi les récompenses, le prix du théâtre Rolf Mares de Hambourg 2018 dans la catégorie "Production exceptionnelle" pour "I.th.Ak.A." de Samuel Penderbayne au
l'Opéra d'État de Hambourg ; Prix du théâtre allemand FAUST 2017 - nomination dans la catégorie "Mise en scène théâtre musical" pour la production d'opéra "La damnation de Faust" de Hector Berlioz au Théâtre de Brême ; Prix du théâtre allemand FAUST 2016 - nomination dans la catégorie "Mise en scène théâtre musical" pour la production d'opéra "Wozzeck" de Alban Berg au Théâtre de Brême. Invitation au Theatertreffen NRW 2017 avec la production "Die Wand" d'après le roman de Marlene Haushofer au Theater Aachen.

Outre la narration poétique et l'utilisation imaginative des médias audiovisuels, le travail de Dittrich se concentre toujours sur la recherche artistique d'une symbiose contemporaine entre la musique et le théâtre parlé, sur les formes expérimentales de performance et sur les cadres spatiaux non conventionnels du théâtre. Au cœur de cette signature théâtrale se trouve l'idée que sans conflit, il n'y a pas de théâtre.

Tobias Schwencke est né à Berlin et a grandi à Duisbourg. Il a étudié à Duisbourg, Sarrebruck et Berlin, où il vit depuis 2001. Son travail comprend la composition libre, le théâtre musical, la musique de théâtre, l'activité pianistique ; il travaille régulièrement au Maxim Gorki Theater Berlin, au Berliner Ensemble, au Staatsoper Unter den Linden. Les productions sous sa direction musicale et sa participation comprennent le Theater an der Wien, le Teatro Real Madrid, le Uppsala Stadstheater (S), HAU et Radialsystem et le Deutsches Theater à Berlin ; le Düsseldorfer Schauspielhaus, le Theater Bremen, le Staatstheater Wiesbaden et l'Opéra d'État de Munich. Collaboration avec Herbert Fritsch, Nurkan Erpulat, Claus Peymann, Manfred Karge, Anna Bergmann, Leander Haußmann, Frank Castorf, entre autres. Adaptation d'œuvres musicales à des fins expérimentales

des approches scéniques ("sampled identity" Kampnagel Hamburg avec l'Ensemble Resonanz et la Hip-Hop-Academy Hamburg 2012 ; "Winterreise" pour Charly Hübner et l'Ensemble Resonanz 2018) de la nouvelle musique de film concertante (musique live pour "Faust" de F.W. Murnau, 1926, au Festival de Salzbourg 2011). Les premières de ses compositions sont réalisées par l'Ensemble Intercontemporain, l'Ensemble Modern Akademie, KNM Berlin, Musikfabrik NRW, Gürzenich Orchester Köln et bien d'autres.

Christopher Johannes Scheuer a étudié la composition à Mannheim et la théorie musicale à Mayence. Dans le cadre de ses activités de composition, il a créé des œuvres de commande pour des théâtres et des festivals en Allemagne. Son travail se concentre sur l'électronique en direct ou la technologie des capteurs de mouvement, et travaille pour la voix et la danse. En outre, ses intérêts en matière de composition et de recherche se concentrent sur le côté intérieur du son. Il enseigne la théorie musicale et la musique nouvelle à l'école supérieure de musique de Mayence, la pratique des médias à l'école supérieure de musique de Mannheim et la composition au conservatoire de la ville de Mayence.

Pia Dederichs est une créatrice de théâtre et de costumes. Elle vit et travaille à Berlin. Depuis 2013, Dederichs travaille en freelance, souvent en équipe avec sa collègue Lena Schmid. Auparavant, elle a étudié la conception de scènes et de costumes à l'Académie de théâtre de Maastricht et à l'Académie nationale des arts de Sofia. Ses engagements l'ont amenée à la Volksbühne Berlin, à l'Oper Neukölln, au Berliner Ensemble, au Theater Bremen, au Theater und Orchester Heidelberg, au Gavella Theater Zagreb et au Staatsoper Stuttgart. Elle a travaillé avec des réalisateurs tels que Paul-Georg Dittrich, Babett Grube, Miriam Horwitz et Clara Kalus.

Kai Wido Meyer a étudié l'art dramatique à l'Université de musique et de théâtre de Rostock. Après dix ans comme acteur, il travaille principalement depuis 2015 dans la conception vidéo, la réalisation et le montage de films.
Dans la saison 19/20, il a réalisé les spots de cinéma pour la campagne publicitaire "Watch Me Dance" du Berliner Tanzbüro, a pris en charge le montage et l'animation du documentaire "S.P.U.R.. - Die Maler der Zukunft" (première au DokFilmfest München/ disponible en DVD chez absolut medien) et a contribué à la conception de vidéos au Staatstheater Darmstadt (Fidelio/réalisé par Paul Georg Dittrich), au Staatstheater Mainz (Werther/réalisé par Brit Bartkowiak), au Theater Bremen (Falstaff/réalisé par Paul Georg Dittrich) et au Theater Erlangen (Let them eat money/réalisé par Katja Ott). Au théâtre, il collabore depuis longtemps avec le metteur en scène Paul Georg Dittrich. Son premier court métrage, "Daheim", a été présenté dans plus de 50 festivals internationaux et a remporté plusieurs prix.

Dans son travail, il combine son expérience du jeu d'acteur, du cinéma, de l'animation et de la photographie en une unité qui bénéficie de tous les domaines.

Isabelle Becker travaille comme dramaturge de théâtre musical au Theater Bremen depuis la saison 2015/16 et a depuis travaillé avec des metteurs en scène tels que Armin Petras, Michael Talke, Tatjana Gürbaca, Schorsch Kamerun, Marco Štorman et Paul-Georg Dittrich.

Isabelle Becker est née à Wiesbaden en 1988. Elle a obtenu en 2011 une licence en études de théâtre musical à l'université de Bayreuth. Avant et pendant ses études, elle a effectué plusieurs stages et assistanats en mise en scène et en dramaturgie au Staatsoper Berlin, au Staatstheater Wiesbaden et au Theater Koblenz. Elle y a également été engagée comme dramaturge et assistante du directeur d'opéra pendant la saison 2012/13. Elle a ensuite obtenu une maîtrise en dramaturgie du théâtre musical à l'Université de musique et de théâtre de Hambourg. En 2014, elle a dirigé, avec d'autres étudiants, le "Autorenlounge", un festival de théâtre contemporain dans le cadre du Kaltstart Festival Hamburg ; en 2018, elle a lancé le festival "New Greek Wave" pour le jeune théâtre contemporain de Grèce au Theater Bremen en tant que directrice artistique du projet. Depuis 2019, Isabelle Becker accompagne les missions d'enseignement de la dramaturgie et de la mise en scène des étudiants du HfMT Hambourg.